¿Cómo enseñar el arte contemporáneo ?

CONFERENCIA

“¿Cómo enseñar el arte contemporáneo?”

Por Gérard Saurin
Director General de la Alianza Francesa
Dr. en Artes Plásticas / artista


Jueves 16 de octubre a las 7.00 pm
Galería de Arte de la Alianza Francesa
5ta. Calle 10-55 zona 13_2440-2102_Entrada libre


Esta conferencia enfocará una nueva problemática tanto de la enseñanza de las Artes Plásticas como de la Historia del Arte, en un concepto de acercamiento al arte contemporáneo, tomando pretexto de un homenaje a Van Gogh, realizado en los años 90 en Túnez, en el marco de un proyecto de cooperación entre Francia y Túnez con respecto a la renovación del sistema educativo.


Esta conferencia relata una experiencia singular que propuse en el marco de la renovación del sistema educativo solicitado por el Ministerio tunecino de la Educación. Este proyecto de cooperación particular que titulé “Renovación de las prácticas artísticas”, incluyendo Artes Plásticas, Teatro y Música fue aprobado por el Ministro y las autoridades locales, y pude llevarlo a cabo durante cuatro años entre 1993 y 1997 en Túnez en donde yo era Agregado de Cooperación en la Embajada de Francia. Pude contar con el apoyo del Inspector General en Artes Plásticas del Ministerio de Educación francés, con quien había llevado a cabo en Francia varios proyectos en Artes Plásticas entre 1970 y 1987: formación de formadores, enseñanza y arte contemporáneo, Historia del Arte y enseñanza, relaciones Museos y establecimientos de enseñanza etc…
Antes de visualizar con imágenes el resultado parcial de dos proyectos levados a cabo, es necesario plantear, en el marco de esta conferencia, dos conceptos muy importantes: él de la especificidad de una posible enseñanza, actual, de las artes plásticas y la toma en cuenta lo que representa en nuestra época el arte contemporáneo.

1.- ESPECIFICIDAD DE UNA ENSEÑANZA DE LAS ARTES PLÁSTICAS

El primer elemento fundamental es considerar que la enseñanza de la Artes Plásticas, como él de toda otra disciplina, tiene que desarrollarse por parte con permanentes referencias al mundo que nos rodea, en el cual vivimos y, por lo que nos interesa, a las producciones artísticas mundiales presentes, sin olvidar por supuesto las de los años o siglos anteriores.

El segundo sería explicitar como se genera una creación plástica o lo que la funda, cualquier sea su género. Crear no es un acto gratuito: es reflexión, es análisis, es elección (¿que agrego, que guardo, que borro ?¿) es tomar posición… respecto a las numerosas nociones artísticas que se refieren a nuestra disciplina: el color, el espacio, los soportes, las herramientas, las modalidades de representación, la museografía y presentación de las obras, las técnicas, los materiales, la composición, las temáticas o sujetos… y es invención, libertad, libro arbitrio… pero también aceptar molestar, ir en contra de lo establecido, suscitar polémica, ser rechazado…por los bienes pensantes, los censores, los conservadores… Ser artista es ser capaz de presentar una visión singular, personal del mundo que nos rodea. Esta orientación presupone que el profesor sea capaz analizar varias obras o corrientes artísticas del pasado y del presente y suscitar un diálogo con sus estudiantes, tener una práctica personal o por lo menos ser apasionado...

El tercero es tomar en cuenta que esta materia es la única que no tiene libro, método preestablecido puesto a disposición del profesor, al contrario de las otras como matemáticas, historia, geografía… El profesor tiene que inventar un curso a cada secuencia, tomando en cuenta la progresión o la organización de las diversas nociones a las cuales acabamos de referirnos así como el resultado de los ejercicios propuestos.
Por otra parte, tenemos que ser claros y conscientes: esta disciplina se enseña al revés de las demás. Un profesor de matemáticas saldrá feliz, así como sus estudiantes quienes tendrán la misma nota máxima, si todas las respuestas son idénticas. Al revés, un profesor de artes plásticas tendrá que favorecer una respuesta diferente por parte de cada uno sus estudiantes, facilitando la emergencia y la identidad singular de cada uno de ellos. Un curso de artes plásticas que generaría respuestas idénticas representaría para mí el fracaso del dispositivo previsto.

Poner fin a la polémica anticuada estética entre las nociones o conceptos superados “lo lindo, lo bello” y “lo feo”. Personalmente he favorecido el rechazo de estos términos reductores (que han tenido sentido en la época en la cual las referencias eran los conceptos/reglas/canones de lo Bello) tomando en cuenta, utilizando varios ejemplos (¿ como se define una mujer linda ? ¿ una obra de arte linda ? ¿un auto lindo?…) con los cuales nadie se pone de acuerdo… y que siguen ser muy subjetivas…prefiriendo las expresiones de “me gusta”, “siento cierta emoción frente a tal o tal cosa”, “me llama la atención”, “entro mentalmente en eso”…(personalmente prefiero y “entro más” en Les demoiselles d’Avignon” de Picasso que en “La Joconda” de Leonardo Da Vinci)
Quién no recuerda ciertas expresiones horrorosas, por parte de ciertos adultos, cuando su hijo rayaba cualquier hoja de papel con un lápiz, diciendo, a la vez de manera orgullosa pero también negativa y despreciativa “es un Picasso” … o aún, visitando un museo o una exposición… quién no ha escuchado : “es cualquier cosa”, “eso no es arte”, “¡que feo ¡”, ¡no tiene sentido!”, “¡se burla de nosotros”, “no entiendo nada” …. Juicios atestiguando más bien el malestar de no entender, la desestabilización frente a algo que cuestiona, el conservatismo ambiente… manera de protegerse de una cierta forma de ignorancia propia y de falta de curiosidad.
Para evacuar definitivamente estos juicios perentorios o gratuitos y muchas veces infundados que personalmente rechazo y en contra de los cuales siempre he luchado, aceptando sin embargo que tal cosa le guste o no al cualquier persona, que tenga emoción o no, que le llame la atención o que lo rechace, por razones que pueden ser políticas, filosóficas, psicológicas, religiosas o simplemente educativas… Quizás la mejor manera, refiriéndonos a lo artístico, para que por lo menos el público trate de entender lo que está viendo sería que el público escolar o estudiantil, futuro público ciudadano adulto de mañana, pueda ser confrontado o por lo menos sensibilizado, a la práctica misma y a la realidad de la creación artística.

Por fin, el objetivo de toda enseñanza es dar sentido a lo que se propone, a lo que uno hace, experimenta. Dar sentido a lo que uno enseña… para que él que reciba esta enseñanza le dé o encuentre sentido también a ésta. Las Artes Plásticas representan unas de las pocas disciplinas con las cuales cualquier persona puede confrontarse a si misma, al mundo que le rodea, al poder proponer su propia visión del mundo, al interrogar libremente los constituyentes mismos de la creación plástica.

2.- ¿ QUE ES EL ARTE CONTEMPORÁNEO ?

Tener como objetivo enseñar o hacer entender el arte contemporáneo presupone tener un conocimiento y disposición a analizar las obras de los artistas perteneciendo a la historia del arte. Históricamente naciendo después de la segunda guerra mundial, el arte contemporáneo, hasta hoy, se desarrollo en una sucesión de corrientes diversas, y entre otras del Action Painting pasando por el Pop Art y el Hiperrealismo en EE.UU, del Nouveau Réalisme, de la Figuration Narrative, del grupo Supports-Surfaces en Francia, del Arte Povera y de la Transvanguardia en Italia, del Nuevo Expresionismo en Alemania respecto a las más significativas etc …. Fue en un primer momento una sucesión regular de prácticas abstractas y/o figurativas … hasta llegar hoy en una profusión de técnicas y expresiones, mezclándose y cohabitando, sin corriente definida o claramente especificada por los críticos de arte como sucedió hasta fines de los 70/80.
Explosión de prácticas diversas, reglas tradicionales cada vez más y más rechazadas, pluralidades de expresiones, , de herramientas, de modalidades de representación o de presentación, mezcla de lo abstracto con lo figurativo…. tantos elementos o pistas de reflexión y de trabajo que puede tener hoy a su disposición cualquier docente en artes plásticas.
Nunca hay que olvidar que el arte progresó siempre cuando unos artistas temerosos lucharon o fueron en contra de las reglas precedentemente establecidas. Entre otros, me refiero a Van Gogh, Monet, Cézanne, Picasso, Duchamp, Pollock… artistas que tuvieron que luchar no sólo en contra del sentimiento y del rechazo del público, sino de los demás artistas contemporáneos a su época, galeristas e incluso críticos de arte. No puedo olvidar que, a fines del siglo XIX, en este entonces se dio un premio a Cabanel (artista sin gran importancia ni mérito, recompensado en un salón de París por su Venus, de factura clásica pero con ángeles que finalmente no molestaba a nadie) y que se rechazó a la obra de Manet Le déjeuner sur l’herbe / Desayuno en el prado, juzgada muy atrevida y que fue comprada por Napoleón III y puesta inmediatamente en las bodegas de un museo para que el público no la viera…
Para hacer breve, el arte contemporáneo es sinónimo de experimentación, de libertad total, de atrevimiento pero también de reflexión singular, de cuestionamientos y posiciones artísticas múltiples… en las cuales, como lo decía, uno “entra” o “no entra”… se nutre o no…
Sin embargo, como lo decía hace unos años el gran maestro francés Pierre Soulages, quién peleó para imponer la idea que el negro era color como los demás colores… refiriéndose a su propia práctica…“hay que atreverse, hay que osar…”
Para mi, un artista auténtico tiene que salir de lo conocido para ir hacia lo desconocido… la práctica artística tiene que ser aventura, reflexión respecto a su propia práctica pero también respecto a la de los demás artistas. Si uno sigue haciendo lo que sabe hacer, puede ser sinónimo de esclerosis o de facilidad… Ser artista es sufrir y gozar a la vez … es aceptar de ser en una situación de cuestionamiento permanente, a veces aleatoria…en la cual lo vivido, la identidad de cada uno tiene una importancia capital … situación en la cual no hay una sola verdad sino pluralidades de verdades… como existen mil y un modalidades de representación. Ser artista es tomar posición.

3.- ¿ COMO ENSEÑAR EL ARTE CONTEMPORÁNEO ?

Planteados muy rápidamente de manera sintetizada y tomando en cuenta estos dos conceptos importantes respecto a lo que es enseñar las artes plásticas y lo que es el arte contemporáneo, uno puede preguntarse ¿ como hacer entonces para enseñar respecto a lo contemporáneo ? sin caer o exponerse a los argumentos negativos precedentemente evocados (“es cualquier cosa … no quiere decir nada …”etc).
Refiriéndome a lo que experimentamos en Francia entre los años 70 y 90 (existe una hora obligatoria de enseñanza de las artes plásticas por semana en el colegio / estudiantes de 11 a 15 años, y posibilidad de seguir de manera opcional un taller de 2 o 4h por semana / luego opciones fuertes en el liceo, 4h por semana) varias pistas, para un docente, pueden presentarse:
a/ proponer un ejercicio a partir de una obra o un artista perteneciendo a la Historia del Arte como vamos a verlo más adelante ( a partir de documentos, de una visita de museo…)
b/ proponer un ejercicio a partir de lo que llamábamos en Francia una “Propuesta de trabajo” (Proposition de travail)

El dispositivo que utilizábamos, se componía así de 4 partes distintas:

a/ presentación de la propuesta de trabajo (duración variable : de dos minutos a una o dos horas) la cual se dirigía hacia una de las nociones plásticas evocadas precedentemente (herramienta, espacio, dos dimensiones / tres dimensiones, color, temática x, a partir de la análisis de una obra, etc… ) precisando las consignas de realización (técnica, soporte, formato, tiempo para realizar, trabajo personal o colectivo etc…) para permitir o por lo menos facilitar el objetivo fijado por el docente (descubrir otras modalidades de representación, poner el acento sobre la noción de herramienta, de espacio, de tamaño, de presentación, incrementar el análisis de una obra, experimentar materiales etc…)

b/ realización (de 20 mn a varias secuencias según el proyecto del docente)

c/ luego lo que llamábamos “Verbalización”, momento fundamental en el cual todas las producciones son presentadas y analizadas por el grupo de estudiantes para explicitar y/o definir:
- quien respecto o no las consignas y porqué (argumentación crítica)
- quien parece tener la propuesta más original, más pertinente respecto a lo pedido en la propuesta y porqué (argumentación crítica)
- quién a tenido dificultades y las ha resuelto (cuales fueron los facilitadores) y quien ha tenido dificultades sin poder resolverlas (identificar cuales fueron los frenos)etc…
- quien puede identificar el dispositivo propuesto por cada participante, que sobresale de éste… si hay referencia a un artista conocido
- cuales son las nociones artísticas presentes en cada resultado…
Este intercambio, análisis colectivo de lo que se ha producido es fundamental. Es lo que permite primero evacuar esta noción de gratuidad (cada quien tuvo que reflexionar a un dispositivo propio, elegir un camino…), luego acentuar las respuestas diferentes y por lo general pertinentes, por fin dar sentido a lo que se ha propuesto, aprendiendo a tomar distancia, a analizar lo que se produjo...
Cada uno aprende con el respeto de las miradas de los otros participantes, aprende nutriéndose de otras respuestas, exprima sus alternativas, sus opciones en cuanto a la manera singular de responder a la propuesta… puede identificar los facilitadores, los frenos de su aprendizaje…

d/ a partir de los resultados, en una secuencia ulterior, el docente puede abordar un fragmento de la Historia del Arte (con obras de artistas de varias épocas previamente seleccionadas por él) poniéndolo en paralelo con las producciones recién realizadas, o en conflicto, analizando la manera de tratar tal o tal noción, ya sea por parte del artista reconocido o por parte de los estudiantes.
Esta manera de proceder permite lograr más interés frente a la Historia del Arte y dar más sentido a lo que se está refiriendo, acentuar el vaivén entre producción propia y referencias…
Sin embargo, para poder realizar esta cuarta parte, el profesor tiene que tener obligatoriamente a su disposición el material adecuado (diapositivas / VHS, catálogos, revistas de arte etc…)

A lo largo de estos varios años en los cuales participé a diversas experiencias, se ha podido notar un cambio fundamental en la actitud de los estudiantes: esta disciplina no era más aburrida, había placer en crear, no se rechazó de manera rápida o gratuita a las diversas expresiones contemporáneas, había interés y curiosidad, referencias… los estudiantes educaron a sus padres y los llevaron a museos y/o galerías….

Por fin, para salir de lo que ha podido parecerles demasiado o repelente o teórico, vamos a ver los resultados de un tipo de práctica o dispositivo que tuve el gran placer de poder realizar en Túnez entre 1993 y 1997, en el marco de esta renovación de la enseñanza de las artes plásticas aprobada y deseada por el ministerio de educación tunecino.

4.- “A LA LUZ DE VAN GOGH” EXPERIENCIA PEDAGÓGICA

a/ Diagnóstico de la enseñanza
Hemos constatado, después de varias visitas en diferentes clases de artes plásticas, que la enseñanza se basaba con conceptos anteriores a los años 60 o 50. Se pudo notar la rigidez de los profesores, su falta de práctica artística personal, la falta de documentación y referencias, los temas de trabajo propuestos poco alentadores, el poco ánimo o desesperación de los estudiantes frente a esta disciplina (la mayoría en situación de fracaso), la casi ausencia a referencias del arte actual y contemporáneo… situaciones que solían existir y que hemos conocido en los años sesenta en Francia.
Recuerdo de estas diversas visitas varios temas tratados como “gancho de ropa”, “naturaleza muerta”, “vaso y botellas”… cuyo objetivo principal era la reproducción perfecta, casi fotográfica de lo presentado. En un grupo de unos 25 estudiantes, se pudo notar que sólo uno o dos llegaban a alcanzar el objetivo y los demás, aburridos, decepcionados… y vacunados para siempre contra las artes plásticas… como si se hubiera olvidado que esa enseñanza debía tratar primero de sensibilizar a este joven público a las artes plásticas en vez de considerar la enseñanza como si fuera la de las antiguas escuelas de Bellas Artes. Tuvimos entonces que plantear la problemática de la enseñanza de las Artes Plásticas en la época actual.

b/ Dispositivo
Aprovechando que la embajada iba a presentar una exposición en homenaje a Van Gogh (exposición de la Fundación Van Gogh de Arles, en Francia, en la cual sólo se pueden ver obras de artistas de artistas contemporáneos perteneciendo a la Historia del Arte y que han homenajeado a Van Gogh, dentro del marco de su propia trayectoria, como Bacon, Rauschenberg, Viallat, Klasen, Motherwell etc…) hemos decidido hacer la propuesta de trabajo siguiente a las instituciones y luego a unos estudiantes de varios liceos de Túnez (7 clases con 7 profesores al final participaron), con las consignas siguientes :
- Homenaje personal a Van Gogh
- Copia de una obra de Van Gogh prohibida
- Analizar previamente la vida, la producción artística de Van Gogh, con puesta a disposición de varias herramientas (libros, VHS …) y visita de la exposición
- Técnica, tamaño libre / dos o tres dimensiones
- Trabajo individual o colectivo
- Duración : 3 meses (1h de artes plásticas por semana)

A pesar de las dificultades habituales (falta de recursos o demora para tener un material básico / abandono de ciertos profesores quienes eran demasiado desorientados o en desacuerdo con el concepto / al final 7 profesores respecto a los 10 que eran previsto participaron), los resultados fueron sorprendentes: los estudiantes, que tenían entre 14 y 19 años, se precipitaron con entusiasmo, lograron resultados más allá de lo esperado, las reflexiones que pude notar fueron más que pertinentes …
El resultado global se tradujo en la edición de un catálogo, una gran exposición en Túnez (con unas cincuentas obras presentadas, de todos los que llevaron a cabo el proyecto) que circuló luego en París y en varias ciudades de Francia.
Dos proyectos más fueron realizados en el transcurso de estos 4 años : “Lugares, memoria, identidad” y “Recorridos”.
De manera concomitante, Francia participó a la entrega de varios documentos (catálogos, libros de arte, VHS…) y organizó varias secuencias de formación en Francia para un grupo de unos 20 profesores seleccionados (formación pedagógica, visita de clases, de talleres, de museos, encuentro con artistas etc) quienes luego tuvieron a cargo de formar a los demás profesores…

En conclusión, poder enseñar las artes plásticas dentro de un concepto contemporáneo necesita docentes implicados, formados, abiertos y curiosos (no castradores o frenando expresiones que no le corresponden), que tienen referencias suficientes respecto al arte contemporáneo y sobre todo apasionados … pero sobre todo una consciencia y voluntad política por parte de los responsables institucionales.
La enseñanza del arte, por medio de una práctica regular y eficiente, no es sólo formación “estética”; hace parte de la formación del individuo, formación a la cual cada futuro ciudadano tendría que tener derecho, pues participa de la educación y facilita la reflexión y el análisis, la toma de consciencia y la distancia crítica, por fin la expresión y afirmación de una identidad singular.